[Maison&Objet]메종&오브제에서 만나게 될 네덜란드의 신진 디자이너




현대 네덜란드 디자인은 1990년대 초 Droog Design 컬렉티브의 등장으로 처음 국제적으로 주목을 받았습니다. 칼 라거펠트(Karl Lagerfeld)는 “Droog는 현대성의 정신입니다. 그것은 논-디자인(non-design)이며, 잘난 체 하거나 가식적인 부분은 없습니다.” 이들이 배출한 스타로는 Jurgen Bey, Marcel Wanders 및 Hella Jongerius가 있으며 가장 상징적인 작품인 Tejo Remy의 'Chest of drawers'과 Marcel Wanders의 'Knotted Chair'가 있습니다. 이 제품들은 개념적이고 기능적이며, 장식적이지 않았습니다.

30년 후, 2022년 9월 메종&오브제의 Rising Talent Awards에서 램브란트와 리히트벨트의 나라, 네덜란드에 다시 한 번 관심이 집중됩니다. 파리에 기반을 둔 디자인, 장식 및 라이프스타일의 국제 무역 박람회인 MAISON&OBJET는 매년 특정 국가의 신세대 재능과 이름에 특별한 관심을 보여왔습니다. 지난 3월 일본에 이어 유럽에서 가장 활기찬 디자인 현장 중 하나인 네덜란드가 스포트라이트를 받게 됩니다. 

Intramuros 매거진의 창립자 Chantal Hamaide의 공모로 세계적으로 유명한 여성 디자이너로만 구성된 심사위원단은 4명의 개인과 2명의 듀오로 구성된 디자이너를 선정했습니다. 이중 두명은 네덜란드 사람이 아니라는 것은 오히려 네덜란드가 국제적이라는 측면을 보여주는 예일 것입니다. 



심사위원 

Wieki Somers

Wieki Somers는 Dylan van den Berg와 함께 2003년 자신의 이름을 딴 스튜디오를 설립했습니다. 그녀의 목표 중 하나는 일상의 숨겨진 아름다움을 드러내는 것입니다. 그녀의 가장 상징적인 작품으로는 "Bathboat"(노 젓는 배 모양의 욕조)와 'Bellflower Lamp'가 있습니다. 그녀의 고객으로는 Alexander McQueen, Valerie Objects 및 Galerie Kreo가 있으며, 그녀의 작품은 파리의 퐁피두 센터와 롱드르의 빅토리아 & 알버트 박물관을 비롯한 여러 박물관의 컬렉션에서 찾을 수 있습니다.


Kiki Van Eijk
Kiki Van Eijk는 2000년 Design Academy Eindhoven을 졸업하고 다음 해에 자신의 스튜디오를 차렸고, 이 스튜디오는 계속해서 파트너인 Joost van Bleiswijk와 공유하고 있습니다. 그녀의 결과물은 가구 디자인과 직물에서 실험적인 예술 설치 및 종이 작업에 이르기까지 다양하며, 모두 그녀의 트레이드마크인 기발함이 스며들어 있습니다. 그녀는 종종 일회성 및 한정판 작업을 하며 Hermès 및 Google과 같은 회사로부터 커미션을 받았습니다. 그녀의 디자인 모토는 "지식보다 상상력이 중요하다!"입니다.
Hella Jongerius
Hella Jongerius는 1990년대에 국제 무대에 등장한 1세대 네덜란드 디자이너의 일원입니다. 그녀의 Jongeriuslab 스튜디오 프로젝트에는 Maharam을 위한 텍스타일 디자인, 뉴욕 유엔 본부의 Delegates' Lounge 인테리어, KLM을 위한 비즈니스 클래스 객실이 포함되었습니다. 그녀는 전통과 최첨단을 결합하며, 그녀의 연구가 결코 완전하지 않다고 생각합니다. 모든 질문은 개방형이며 모든 답변은 잠정적입니다.
Ineke Hans
Ineke Hans는 자신을 "가구, 제품, 전시회, 실내외 공간의 중요한 디자이너"라고 부릅니다. 그녀는 1998년에 자신의 스튜디오를 설립한 후 Cappellini, Iittala, Magis 및 네덜란드 재무부가 고객입니다. 그녀는 미래 생활을 위한 디자인 전략 및 제품 유형을 광범위하게 연구했습니다. 그녀는 현재 Arnhem과 베를린을 오가며 작업하고 있습니다. 그녀는 베를린 예술대학에서 도시의 디자인 및 사회적 맥락을 가르치는 교수로 재직하고 있습니다.






What is “Dutch design”?

Hella Jongerius에게 "더치"라는 의미는 디자인 세계에서 "실험적, 비판적, 개념적"과 동의어입니다. 점점 더 글로벌화되는 전망으로 인해 90년대보다 정의하기가 더 어려울 수 있지만, 네덜란드의 디자인 씬은 여전히 상당히 자유롭고, 상업적 제약에 의해 정의되지 않습니다. 또한 Kiki Van Eijk는 "매우 실천적입니다.(hands-on)"라고 말합니다. "어떤 프로젝트가 올 때까지 기다리지 않고 스스로 주도권을 잡는 것입니다." 혁신과 실험 의식은 관대한 정부 보조금 시스템뿐만 아니라 국가의 교육 시스템도 뒷받침이 되어 있습니다. Ineke Hans는"우리는 일을 당연하게 여기지 않고 현상 유지에 의문을 제기하는 법을 배웁니다." 라고 말합니다. 그리고 이러한 재능이 두 학교, Design Academy Eindhoven과 Arnhem에 있는 ArtEZ University of the Arts의 졸업생들에게 집중되어 있다는 점은 흥미롭습니다.

네덜란드의 젊은 세대가 이전 세대와 다른 점은  무엇보다도 협업에 대한 오픈 마인드와 소비 시스템에 대한 더 비판적인 시각이 있습니다. Wieki Somers가 말했듯이 "산업의 환경적 측면과 디자인의 사회적 측면에 더 많은 관심이 있습니다."는 것이 새로운 세대의 변화라 할 수 있을 것입니다. 







Rising Talents


이번 에디션의 7명의 떠오르는 인재( Rising Talents)들은 네덜란드뿐만 아니라 프랑스와 한국 등 매우 다양한 지역에서 왔습니다. 그들은 또한 오래된 문, 호스 파이프 부품, 감비아(Gambian)로 짠 바구니 및 14세기 달항아리에 이르기까지 놀랍도록 이질적인 영감을 가지고 있습니다. 그러나 그들은 또한 많은 공통 분모를 가지고 있으며, 그 중 가장 두드러진 것은 재료에 대한 매력과 재료를 위한 새로운 프로세스 개발에 대한 탐구입니다. 또한 그들의 작업이 환경에 미치는 영향과 사회적인 영향에 대한 우려와 관심을 지니고 있습니다.

지속 가능성의 개념이 전면에 나와 있으며, 이로 인해 많은 사람들이 톱밥 더미, 수확한 플라스틱, 파쇄된 가죽 또는 좋은 구식 운동화와 같은 부스러기와 폐기물로 작업합니다. 그리고 그들의 많은 물건은 수제이거나 공예 기술을 사용합니다. 물론, 모두 실용적인 것은 아닙니다. 도자기 밑창과 PVC 관은 당장 사용할 수 있는 것은 아닙니다. 그러나 이는 네덜란드 디자인이 단순히 제품을 만드는 것이 아니라는 사실을 반영하기도 합니다. 이는 개념에 대한 연구입니다. Theophile Blandet은 “내가 만들고 있는 오브제는 현재의 주제를 반영하고 있습니다. 그들은 명확한 해결책을 제시하는 것이 아닙니다. 그들은 토론을 시작하는 것입니다." 독창성, 기발함, 즐거움 등 네덜란드 디자인의 많은 사례가 확실히 공유하는 특성이라 할 수 있을 것입니다. 





Hanna Kooistra

디자이너 Hanna Kooistra에게 완전히 새로운 것은 없습니다. “모든 것이 이미 존재합니다.”라고 그녀는 말합니다. 그녀의 접근 방식은 과거의 물건을 자신의 작품을 위한 출발점으로 삼는 것입니다. 실제로 그녀는 그것들을 흥미롭고 아름다운 방식으로 적용합니다. "나는 이미 존재하는 것을 분석하고 그것을 더 발전시킬 수 있는 방법을 찾습니다."라고 설명합니다. Kiki Van Eijk는 “Hanna는 매우 자유로운 영혼을 가지고 있습니다. "내가 그녀의 작품에서 좋아하는 점은 매우 상상력이 풍부한 캐릭터가 있으면서도 동시에 매우 도상적이라는 것입니다." Koositra는 1995년 네덜란드 북부의 De Westereen에서 태어나 2020년 Arnhem의 ArtEZ University of the Arts에서 제품 디자인을 졸업했습니다. 그녀의 'Plakkenpot' 커피 포트는 네덜란드 국립 박물관(Rijksmuseum) 컬렉션의 은으로 만든 커피 포트를 개조한 것입니다. 그녀는 페인트 롤러를 사용하여 모양을 다시 그렸고, 이는 그녀의 버전에 놀랍도록 둥근 형태를 부여했습니다. 그녀가 재작업한 또 다른 물건은 전통적인 네덜란드 의자인 'knopstoel'로, 스핀들 상단에 있는 'knop'('둥근 손잡이')에서 이름을 따왔습니다. "네덜란드의 모든 지역은 각각의 개성을 지니고 있습니다"라고 그녀는 말합니다. 그녀의 새로운 해석에 의해 이 의자는 접어서 벽에 걸 수 있게 되었습니다. Kooistra의 자체 디자인은 특별히 기능적일 필요는 없습니다. 그녀는 사물이 대부분 장식적일 수 있다는 생각을 즐깁니다. 그리고 그녀가 영감을 얻는 역사적 대상은 네덜란드여야 합니다. “저는 그들이 제 문화에 대해 이야기하는 것이 정말 좋습니다.”라고  말합니다.


“나는 물건이 무엇인지 정말로 알고 싶습니다. 뭔가를 보고 '왜 만들었지? 어떻게 만들어졌나요? 그리고 그것이 만들어진 시간과 제작자에 대해 무엇이라고 말합니까?”



www.hannakooistra.com
ATELIER FIG


Ruben Hoogvliet와 Gijs Wouters는 재료에 대한 매력을 공유합니다. "우리는 시간이 지남에 따라 변하는 것, 즉 얼거나 녹거나 조각으로 부서지는 것에 끌립니다."라고 Hoogvliet은 말합니다. 미세한 점토로 만든 도자기 그릇과 촛대에 대한 Gravity 컬렉션의 기술을 처음 개발한 사람은 바로 그였습니다. 그의 출발점은 금형 없이 도자기를 만드는 방법이었습니다. 그가 고안한 방법은 거품으로 만든 구조물을 액체 점토에 여러 번 담근 다음 매달아 말리는 것입니다. Kiki Van Eijk는 "그들의 물체는 약간 변형되기 시작하고 더 유기적입니다."라고 말합니다. “그들이 하는 일은 매우 혁신적입니다.” 마스터하는 것도 상당히 까다롭습니다. "도자기는 매우 얇습니다."라고 Wouters는 말합니다. “기술은 가능하지만, 한 발짝만 잘못하면 모든 것이 무너질 수 있습니다.” 라며 기술을 위해 많은 공을 들였다고 말합니다. 두 사람은 Arnhem에 있는 ArtEZ University of the Arts에서 만났습니다. Hoogvliet은 유리 불기, 도자기, 보석 디자인, 가죽 및 신발에 대한 교육을 받았고 Wouters는 도자기와 관련된 다른 프로젝트를 개발했습니다. 그는 탈부착 가능한 신발 밑창을 만들어 재킷과 가방에 통합했습니다. 그는 결과물에 대해 "가죽과 비슷합니다."라고 말합니다. 그 이후로 그들은 Gravity 컬렉션을 더욱 발전시키기 위해 힘을 합쳤습니다. Hoogvliet은 "다른 형태와 다양한 유형의 물체로 발전할 것입니다."라고 약속합니다. Wouters는 "모든 종류의 다른 재료에 침지 기술을 사용할 수 있습니다."라고 덧붙입니다.


"우리가 하는 재료 연구에서 우리는 예상치 못한 일이 발생하는 약간의 흥분, 약간의 실험적인 것을 찾으려고 노력합니다." RUBEN HOOGVLIET


www.rubenhoogvliet.nl www.gijswouters.com
THÉOPHILE BLANDET

1993년 스트라스부르에서 태어난 Théophile Blandet은 랭스의 Ecole Supérieure d'Art et de Design에서 오브제 및 공간 디자인을 공부한 후 아인트호벤 디자인 아카데미로 옮겨 2017년 그곳을 졸업했습니다. 이후 그의 작품은 Frieze London, Art Basel, Fiac Paris에서 전시되었으며, 2020년에는 암스테르담 Galerie Fons Welters에서 개인전을 수상하는 영예를 안았습니다. 그의 작품 대부분은 재료에 대한 그의 관심을 보여줍니다. 그는 알루미늄으로 하나의 컬렉션을 만들었습니다. 알루미늄은 지구에서 세 번째로 풍부한 자원이며, 재용해 및 재활용이 가능합니다. 그러나 그는 지역 공장과 실험실에서 수확하는 플라스틱 조각으로 만든 환상적으로 독창적인 작품으로 가장 주목을 받았습니다. 그에게 그것은 18세기 캐비닛 제작자들이 널리 사용했던 상아처럼 희귀하게 변하게될 소재입니다. “언젠가 더 이상 존재하지 않을 것이라는 사실 때문에 우리는 그 가치를 재평가해야 합니다.”라고 그는 말합니다.그가 만드는 작품들은 모두 손으로 정성들여 만든 작품으로 기능성 아이템과 조각품의 경계를 넘나듭니다. Hella Jongerius는 "자유, 영리함, 아름다움과 오브제의 디테일", "그의 아이디어와 내러티브의 독창성, 실험적인 태도"를 칭찬합니다. 다른 사람들은 그를 "신미래주의자" 디자이너라고 불렀습니다. 그에게 어울리는 용어입니다. "저는 존재하지 않는 물건을 다시 생각하는 것을 좋아합니다. 마치 다른 세계에서 온 것처럼 보입니다."


“내 물건은 이미 존재하는 다양한 사물을 가리킵니다. 그것이 그들을 차별화하고 복잡성을 설명하는 것입니다.”


www.theophileblandet.om



Seok-Hyeon Yoon 윤석현

“저는 항상 우리 사회와 환경에 대해 책임을 지고 싶습니다. 저는 무언가를 만들 때마다 항상 그 영향력에 대해 생각합니다.”라고 한국 태생의 아인트호벤 기반 디자이너 윤석현은 말합니다. 그의 졸업 프로젝트 "Ott/Another Paradigmatic Ceramic"은 확실히 그 철학을 반영한 것입니다. 그는 도자기에 사용되는 일반 유약은 재활용할 수 없다는 인식 때문에 가장 자연스러운 재료 중 하나인 점토가 매립되는 것이 안타깝다고 말합니다다. 그래서 그는 대안을 찾기 시작했고, 2,000년 동안 목재용 옻칠을 사용해 온 한국의 문화에서 대안을 찾았습니다. 이를 도자기에 적용했을 때 그는 소성할 필요조차 없다는 것을 발견했습니다. "간단히 건조가 되어 에너지도 절약됩니다."라고 말합니다. 1992년 청주에서 태어나 국민대학교에서 산업디자인을 전공한 후 아인트호벤 디자인아카데미로 편입했습니다. 그의 "옻(Ott)" 컬렉션은 한국의 유산에서 그릇, 케이크 스탠드 및 꽃병의 형태에 대한 영감을 얻었으며, 특히 14세기 달항아리가 큰 영향을 끼쳤습니다. 또한 Studio LaVina의 폴리나 바이키나(Polina Baikina)와 태양의 순환을 모방한 'Sōl '이라는 조명기구를 공동 작업했으며, 현재 플라스틱의 대안을 개발하는 것을 목표로 "Namu(나무)" 프로젝트를 진행하고 있습니다. 이 작업은 톱밥과 천연 바인더를 혼합하는 것으로,  모양을 만들고, 주조할 수 있으며, 다양한 색상과 질감으로 만들 수 있어 가능성이 무한하다고 말합니다. 


“석현의 작업은 개념적이면서 미학적인 측면에서 네덜란드 디자인 전통에 잘 맞습니다. 형태와 기능이 명확하고 지속 가능한 새로운 기술과 재료를 찾는 데 놀랍습니다.” _ WIEKI SOMERS


www.yoonseokhyun.com



VISSER & MEIJWAARD

일과 삶의 파트너인 Vera Meijwaard와 Steven Visser는 이번 에디션의 떠오르는 인재들 중 가장 경험이 풍부한 사람입니다. 그들은 2013년 Arnhem에 자신의 스튜디오를 설립했으며 둘 다 패션계에서 출발했습니다. 그들의 첫 번째 컬렉션은 가방과 액세서리 라인이었습니다. 그러나 그들은 빠르게 제품 디자인에 관심을 돌렸고 이후 밝은 색상의 PVC 실내 장식으로 된 일련의 벤치, 스툴 및 캐비닛, 바구니 세공과 유리 세공을 결합하는 램프, 심지어 관까지 만들었습니다. Ineke Hans는 다르게 주장하지만 그들의 작업은 종종 "독특하지만 최소한의 것"으로 묘사됩니다. "그들의 형태는 냉정할 수 있지만 작업은 최소한이 아닙니다."라며, "상상력을 가지고 노는 것입니다." 라고 그녀는 말합니다. 또한 기본적인 색상, 깨끗한 선 및 일상의 물건에서 영감을 얻는 것이 특징입니다. 그들의 'Grey on Gray' 캐비닛은 산업용 플라스틱 상자에서 따 온 것으로, HIMACS라는 인조대리석 소재로 만들어졌습니다.. 한편, Pulpo를 위해 디자인한 FG 화병의 모양은 호스 파이프의 연결 부분에서 파생된 것입니다. Steven Visser는 “호스파이프를 사용하면 그립감이나 그게 무엇이든, 기능적으로 사용할 수 있습니다. 우리는 순수한 기능을 위해 디자인된 것을 미학적 오브제로 변형하는 것을 좋아합니다." 라고 말합니다. 그들의 작업은 Linteloo 및 Moooi Carpets와 같은 브랜드에서도 선택되었으며 홍콩과 카타르의 Hermès를 위해 "Let's Fly Out For A Picnic" 및 "Tales of A Picnic"과 같은 환상적인 테마의 윈도우 디스플레이를 만들었습니다. 


“Visser와 Meijwaard는 내가 본 몇 년 동안 제품 디자인에 대한 진정한 숙달을 가진 몇 안 되는 사람들입니다.” _  INEKE HANS


www.vissermeijwaard.com


SIMONE POST

Ineke Hans는 "Simone은 엄청난 힘을 가지고 있습니다. 나는 그녀가 우리가 앞으로 몇 년 동안 보게 될 디자인 분야의 중요한 사람이 될 것이라고 생각합니다. 그녀는 말만 하는 것이 아니라 행동을 하는 디자이너입니다”라고 말합니다. 로테르담에 기반을 둔 디자이너는 지금까지 Adidas, Kvadrat 및 Vlisco와 같은 회사와 협력했습니다. 뉴욕의 Cooper Hewitt Museum 및 Vitra Design Museum과 같은 기관에서 그녀의 작품을 만날 수 있으며, 그녀는 네덜란드에서 가장 큰 벽화인 “Fest of Movement” 라 불리는 헬몬드의 Vlisco 본사 외부를 장식하는  2,400m2의 페인트 작업물도 완성하였습니다.  그녀의 가장 큰 열정은 직물에서 찾아볼 수 있습니다. 이는 어린 시절부터 자연스럽게 체득된 것으로, 그녀는 “어머니는 집에서 바느질 수업을 하셨어요. 그래서 한 방에 재봉틀이 10개 있었어요.”라고 회상합니다. 십대 때 그녀는 개념적 패션이나 Hussein Chalayan과 Viktor & Rolf의 팬이기도 했습니다. 그녀는 프린트와 패턴도 좋아하며 색상에 대한 광범위한 연구도 진행했습니다. 그녀는 원색이 아닌 색조로 작업하는 것을 선호합니다. 예를 들어 Kvadrat/Maharam을 위한 그녀의 'Sinuous' 러그는 5가지 색상으로 만든 실로 만들어졌습니다. 그녀는 이를 가리켜 "진동을 만든다"고 말했습니다. 그리고 지속 가능성도 핵심 관심사입니다. 그녀가 Adidas를 위해 만든 러그 라인은 재활용된 운동화로 만들어졌으며, Vlisco Recycled Carpets 라인의 디자인은 커다란 롤의 측면을 보고 영감을 얻은 것이었습니다. 


“제 디자인은 항상 최종 제품을 염두에 두지 않고 재료에서 시작합니다. 저는 놀이라는 행위를 디자인 과정에서 가장 중요한 측면으로 봅니다.” 


www.simonepost.nl


SANNE TERWEIJ


Sanne Terweij의 전화에는 전 세계에서 찍은 오래된 문의 사진 모음이 있습니다. 그녀는 “페인트가 벗겨지고 햇빛에 금이 갈 때가 좋아요. 훌륭한 질감을 만들어내거든요”라고 말합니다. 그녀는 색상과 녹청에 대한 탐구를 바탕으로 장인으로서 작업의 영감으로 이를 사용합니다. 암스테르담 북쪽 Zaandam에 있는 그녀의 스튜디오에서 그녀는 그라데이션 색상의 수백 개의 작은 금속 스트립으로 구성된 매혹적인 벽 조각품을 만듭니다. Sanne Terweij가 특히 관심을 갖는 것은 다양한 금속의 산화 및 부식 특성입니다. 그녀는 구리, 황동, 알루미늄, 납 및 철을 가지고 작업하며, 반응을 위해 산과 염을 사용합니다. 때때로 그녀는 특정 용액이나 안료를 첨가하기도 합니다. 그런 다음, 스트립을 조립하기 전에 스트립을 계속 이리저리 움직여 완성하는데, 이에 대해 마치 퍼즐같다고 말합니다.  Sanne Terweij는 어린 시절부터 색의 팬이었습니다. 1984년생인 그녀는 어렸을 때 밝은 옷을 입었던 것을 기억합니다. 오늘날 그녀의 작품은 시카고와 포르투갈과 같은 곳의 수집가들과 국제적인 추종자를 얻고 있습니다. 


“색깔이 당신의 기분을 바꾸는 방식은 정말 나를 매료시킵니다. 그것은 정신 상태에 많은 영향을 미칩니다.” 


www.sanneterweij.com