남아프리카공화국에서는 지역의 유산과 미래지향적 시선에 뿌리를 둔 스타일의 혁신이 자신감 있게 조용히 부상하고 있습니다. 국제 무대의 관심이 점점 높아지면서, 새로운 세대의 디자이너들이 업계 전문가들의 호기심과 관심을 사로잡고 있습니다. 국제적인 감각과 활기찬 갤러리·컨셉스토어로 매력을 발산하는 케이프타운, 날카로운 동시대 미술 신과 비평적 디자인 정신이 살아 숨쉬는 요하네스버그, 공예와 스토리텔링, 다학제적 실험이 어우러진 독보적인 창조적 에너지의 더반까지, 남아공의 주요 창조 거점들이 내일의 디자인 지형을 정의할 이름들을 찾는 시선을 끌어모으고 있습니다.
이 지역의 디자인 이야기를 전하는 것은 곧 과거와 미래, 의례와 조상 대대로 이어져 온 노하우, 그리고 혁신적 기법 사이의 대화를 통해 역사를 다시 쓰는 일이기도 합니다. 직조와 조각적 형태, 상징적 패턴이 미니멀하고 실험적인 표현으로 재해석되며, 어디에나 존재하는 공예 정신이 동시대적 미감과 매끄럽게 융합됩니다.
2026년 라이징 탤런트 어워드를 맞아, 매종&오브제 펄스(Maison&Objet Pulse)는 신진 창작 신을 조명하는 '쇼 안의 쇼'로 기획된 디자인 디스트릭트 한복판에서 남아공의 새로운 디자인 물결을 소개하는 전시를 선보입니다. 올해는 동시대 아프리카 디자인의 대표적인 플랫폼인 데코렉스(Decorex)와 처음으로 파트너십을 맺은 것도 특징입니다. 지역의 실천과 글로벌 흐름이 교차하는 지점에서, 전문가 심사위원단이 선정한 남아공 출신의 수상 디자이너 및 스튜디오 7팀이 소개됩니다.
심사위원단이 말하는 남아공 디자인
데코렉스 아프리카와 100% 디자인 아프리카의 공동 아트 디렉터인 앨런 헤이워드와 개러스 반 니커크는 심사위원으로서 "2026년 9월 매종&오브제에서 전시하는 수상자들은 남아공 디자인에 있어 중요한 전환점에서 국제 무대에 오른다"고 말합니다. 안나 웨일란트는 남아공 디자인에서 스토리텔링의 중요성을 강조했고, 도널드 은수말로는 "독보적이고 대담한 모든 프로필이 저마다의 자리를 가질 자격이 있었기에 선정 과정이 진정한 도전이었다"고 전했습니다. 개러스 피어슨은 "선정된 디자이너와 스튜디오들은 저마다 독창적인 방식으로 동시대 디자인과 장인 공예를 결합하는데, 이는 이 지역 디자인의 핵심적 특징"이라고 평했으며, 아틀리에 다르 드 프랑스 회장 스테판 갈르노는 손으로 직접 점토를 빚는 칼리엔 반 로이엔을 크래프트 부문 수상자로 선정한 이유를 밝혔습니다.
7인의 수상자들
애슐리 로이드 | 스튜디오 로이드 (케이프타운)
케이프타운 소재 스튜디오 로이드의 크리에이티브 디렉터이자 창립자인 애슐리 로이드는 남아공 디자인 신에서 확고한 목소리를 내는 인물입니다. 디자인과 공예의 교차점에 자리한 그녀의 작업은 좌석과 조명을 조각적 경험으로 변모시키며, 로프 위빙(rope weaving)이 시그니처 기법입니다. 여성을 지지하고 역량을 강화하며, 지식의 전수를 장려하고 참여적인 창작 과정을 통해 강한 공동체 의식을 길러내는 것이 그녀의 철학입니다.
전통적인 크로셰 기법으로 대형 동시대 조명 작품을 만드는 것에 대해 그녀는 "우리의 접근 방식은 전통 공예를 동시대적 언어로 재해석하는 것"이라며 "크로셰는 자연스러운 유연함과 촉각적 질감, 거의 명상적인 리듬을 통해 건축적 조명이 지닌 경직성에 깊이 인간적인 대응점을 제시한다"고 설명했습니다. 스튜디오 로이드는 대형 조각적 조명 작품을 통해 스케일을 가지고 노는 것을 중시하며, 조명을 몰입형 경험으로 만드는 데 주력합니다.
속도가 지배하는 세상과 대비되는 럭셔리에 대한 질문에는 "손으로 천천히 빚어낸 오브제, 거의 소리 없이 세심함을 기울이는 시간과 몸짓, 의도와의 관계를 제시한다"고 답했습니다. 전수(transmission) 역시 핵심적인 역할을 하며, "각 작품은 단순한 오브제 이상으로 살아있는 유산의 이야기를 전한다"고 덧붙였습니다.
역량 강화가 스튜디오 운영에 어떻게 반영되는지에 대해서는 "역량 강화는 우리 구조의 핵심"이라며 "함께 작업하는 장인들 중 상당수가 역사적으로 소외된 지역사회 출신이며, 이들은 스튜디오의 정체성을 형성하는 데 중심적 역할을 한다. 목표는 이들에게 안정성과 존엄, 장기적 전망을 제공하는 것"이라고 밝혔습니다. 향후 방향으로는 대형 건축적 조명 설치작과 새로운 오브제 유형으로의 확장을 계획하고 있으며, 자외선 처리된 로프 소재가 해안이나 사막 등 극한 환경부터 정제된 인테리어까지 두루 적응할 수 있는 내구성을 지녔다고 강조했습니다.
 Portrait Ashleigh Lloyd_Studio Lloyd ©DR
|  Collection SHOT 07 Floorlamp_Studio Lloyd ©DR
|
오아겡 마나나 & 체호파초 라모티베 | 메틀로 스튜디오 (요하네스버그)
메틀로 스튜디오의 공동 창립자인 오아겡 마나나와 체호파초 라모티베는 전통적 참조에 뿌리를 둔 창작적 접근을 통해 문화유산과 동시대적 시각을 결합합니다. 이들에게 디자인은 기억과 정체성, 형태가 교차하며 문화적 오브제에 생명을 불어넣는 서사적 놀이터입니다.
요하네스버그의 로컬 창조 신에 대해 두 사람은 "매우 활기차다. 다양한 문화와 언어가 모자이크처럼 어우러져 풍성함과 복합성을 동시에 부여한다"고 전했습니다. 남아공 디자인이 다른 국제 신과 구별되는 지점에 대해서는 "오늘날 남아공 디자인은 점점 더 독보적이고 자신감 있는 목소리로 자리잡고 있다. 기후와 풍경, 자연 조건이 영감의 원천이자 창작의 동력이 되며, 자연과 문화, 일상이 만나는 지점에서 그 고유함이 탄생한다"고 답했습니다.
2022년 스튜디오를 설립한 이래, 이들은 동시대 가구와 맞춤 제작 프로젝트를 통해 자신들의 언어를 표현해왔습니다. "우리의 창작 언어는 중성적인 색조 팔레트와 재해석된 전통적 참조에서 출발한다. 자연과 약용 식물 역시 풍부한 영감의 원천"이라며, 그 결과물은 기능성과 컬렉터블 미감이 결합된 작업이라고 설명했습니다. 선호하는 소재를 묻는 질문에는 "목재가 생산의 80%를 차지한다. 조각할 수 있는 소재이며, 그 형태를 탐구하는 일에 결코 지치지 않는다"고 답했습니다.
 Oageng Manana & Tshegofatso Ramothibe_Meetlo Studios ©Mathlatsi Mogalanyane |  Kharetsa V1.0 - Meetlo Studio
 Semoya bench - Meetlo Studio
|
심피웨 믈람보 (케이프타운)
음투바투바 출신의 심피웨 믈람보는 2019년 케이프타운에 자신의 스튜디오를 설립했으며, 인테리어 건축과 가구 디자인을 표현의 장으로 삼고 있습니다. 건설업에 종사한 가족 배경 덕분에 일찍부터 제작과 소재에 대한 직접적인 관계에 뿌리를 둔 작업 방식을 발전시켰습니다. 더반 공과대학교(Durban University of Technology)에서 인테리어 디자인을 전공했고, 더반의 여러 스튜디오에서 주거·상업·리테일·호스피탈리티 프로젝트를 두루 경험하며 기술적이면서도 개념적인 작업 방식을 형성했습니다. 2024년 난도스 핫 영 디자이너(HYD) 어워드를 수상한 바 있습니다.
오늘날 남아공의 창작을 한 단어로 정의해달라는 질문에 "표현주의적(Expressionist)"이라고 답하며 "모든 창작자는 각자의 개인적 맥락을 통해 남아공인이라는 것의 의미를 표현하고자 한다"고 말했습니다. 스토리텔링이 자신의 접근 방식의 핵심이냐는 질문에는 "내 작업은 내 환경으로부터 직접 태어난다. 경험과 물려받은 서사를 동시대적 형태로 변환한다. 나는 의미를 담은 오브제, 원래 이야기의 깊이를 잃지 않으면서 현대 세계와 교감할 수 있는 오브제를 믿는다"고 답했습니다.
파리에서의 첫 전시인지 묻는 질문에 그는 "그렇다. 파리에서 작업을 선보이는 것은 이번이 처음"이라며 "이번을 위해 완전히 새로운 컬렉션을 디자인했고, 내 로컬 신에 뿌리를 둔 작품을 보여주고자 했다. 벽 패널, 바닥 조명 작품, 베틀에서 영감을 받은 벤치, 세 작품이 하나의 서사로 함께 기능하는 설치작을 선보인다. 직조와 전통 공예의 개념을 탐구하는, 의례로서 구상된 설치작"이라고 소개했습니다.
 Simphiwe Mlambo ©DR
|  Floor Lights_Simphiwe Mlambo ©DR
 Table Zinda_Simphiwe Mlambo ©DR
|
타니샤 닐 | N I S H
N I S H의 창립자이자 크리에이티브 디렉터인 타니샤 닐은 디자인에 앞서 몸을 표현의 주된 도구로 선택했습니다. 클래식 발레와 현대무용에서 출발한 이력은 그녀의 관점과 리듬 감각, 공간과의 관계를 형성했습니다. 인테리어 건축 학위와 프로덕트 디자인·혁신 석사 학위를 보유한 그녀는 이 두 세계의 교차점에서 모든 선이 몸짓으로, 모든 볼륨이 정지된 움직임으로 구상되는 조형 언어를 발전시키고 있습니다.
소재와 공예를 통해 완벽함과 불완전함 사이의 창조적 긴장을 탐구하는 것에 대해 그녀는 "내 창의성은 제약 앞에서 온전히 발현된다. 상상력을 자극하는 것은 한계와 장애물이다. 종이 위에서 디자인할 수는 있지만, 진정한 것이 펼쳐지는 곳은 적응 단계, 즉 프로토타이핑이나 제작 과정"이라고 밝혔습니다. 원하는 감각적 경험에 대해서는 "단순한 소유를 넘어선 전유의 한 형태"라며 "N I S H의 작품은 결코 고정되지 않는다. 세 가지 다른 환경에 놓인 동일한 작품이 세 가지 다른 표현을 드러낼 것이다. 그 가치는 이 관계, 즉 무대화되고 거주되고 시간에 걸쳐 이해되는 방식에 있다. 오브제 이상으로, 그것은 하나의 대화"라고 답했습니다.
무용 경력이 공간·리듬·오브제와의 상호작용에 대한 사고방식에 영향을 미치는지 묻는 질문에는 "무용은 움직임의 자유를 주지만 동시에 기술적 규율도 요구한다. 디자인도 마찬가지다. 인체공학적 제약과 개인적 표현 사이에서 균형이 생겨난다. 나는 '실용적 럭셔리'라는 개념을 좋아한다. 모든 것은 드로잉에서 시작된다. 형태는 종이 위에서, 시행과 조정을 거쳐 올바른 몸짓을 찾아내는 안무처럼 떠오른다"고 답했습니다. 9월 매종&오브제에서는 N I S H의 창립작이자 첫 소개가 될 매니페스토 작업들을 선보일 예정입니다.
 Portrait Tanisha Neill ©DR
|  Un tabouret G I G I Counter Backless_N I S H ©DR
 Deux tabourets G I G I Bar Counter_N I S H ©DR
|
마틴 탈리 & 자니 알버츠 | DEFT 스튜디오
건축 전공 시절부터 창작 듀오로 활동해 온 마틴 탈리와 자니 알버츠가 창립한 DEFT 스튜디오는 지속가능한 가구 제작을 통해 디자인과 공예에 대한 깊은 열정을 실현합니다. 모든 작품은 창립자들이 직접 로컬에서 수작업으로 제작하며, 깔끔한 라인과 세심한 노하우로 정의되는 이들의 세계는 유쾌하면서도 정제된 정체성을 드러냅니다.
DEFT 스튜디오가 '창조적 강박'을 형성한다는 것에 대해 이들은 "우리의 강박은 창작과 제작 과정의 모든 단계에 기울이는 깊은 주의력이다. 가구는 인테리어 속 단순한 오브제 이상, 살아내야 할 경험이 된다"고 밝혔습니다.
'패스트 퍼니처'에 맞서 기능적으로도 감정적으로도 오래 지속되는 작품을 지향하는 것에 대해서는 "우리는 지속적인 가치를 지닌 독보적인 작품을 찾는 사람들을 위해 창작한다. 우리의 디자인은 트렌드나 생산 제약이 아닌 호기심과 상상력에서 비롯된다. 목표는 쉽게 팔리는 것을 디자인하는 게 아니라 진정한 감정을 불러일으키는 것을 디자인하는 것"이라고 답했습니다. 단순함과 넉넉한 곡선, 유쾌한 정신이 결합된 이들의 조형 언어에 대해서는 "균형은 대체로 반복, 대칭, 비례, 질감 같은 본질적인 디자인 원칙에 기댄다. 이 긴장이 우리 작품에 독특한 개성을 부여한다"고 설명했습니다. 창작물이 불러일으키기를 바라는 감정에 대해서는 "기억이다. 우리의 모든 작품은 다음 세대에 물려줄 가보로 디자인된다"고 답했습니다.
 Portrait Martin Tallie & Zani Alberts_DEFT Studios ©DR
 Etagere brune et claire DEFT Studios ©DEFT Studios
|  Etagere en bois clair DEFT Studios ©She Is Visual
|
시얀다 음벨레 | 핀다 인테리어 디자인
움라지 출신의 시얀다 음벨레는 드로잉에 대한 열정으로 일찍부터 형성된 길을 따라 공학에서 디자인으로 전향했습니다. 그는 '다시, 또(again)'를 뜻하는 이시줄루어 '핀다(phinda)'에서 이름을 딴 핀다 인테리어 디자인을 설립했으며, 이는 그의 창작적 접근의 핵심인 반복과 리듬의 개념을 담고 있습니다. 그의 작업은 기하학적 형태와 은데벨레(Ndebele) 패턴, 대담한 색채를 결합해 남아공의 유산과 동시대 디자인 사이의 지속적인 대화를 만들어냅니다.
강한 가족·문화적 가치 속에서 자란 움라지에서의 성장 경험이 디자인관에 미친 영향에 대해 그는 "내 작업에 강한 시각적 정체성을 형성했다. 움라지에서는 개인성과 유산이 필수적이다. 나는 내가 누구이고 어디서 왔는지를 말하며 창작한다"고 답했습니다. 기계공학에서 인테리어 디자인으로 전향한 경험이 오늘날 작업에 미치는 영향에 대해서는 "두 분야 모두 정밀함의 중요성을 공유한다. 이를 통해 소재와 제작 공정을 더 잘 이해하게 되었고, 이는 내 창작물에 직접적인 영향을 미친다"고 설명했습니다.
문화유산과 동시대 디자인을 어떻게 조화시키는지에 대해서는 "꽤 자연스럽게 이루어진다. 종종 동일한 프로젝트의 여러 버전을 개발하며, 문화적 참조와 동시대적 디테일 사이를 오가다가 올바른 균형을 찾는다"고 답했습니다. 오늘날 남아공 신진 디자이너들이 마주한 과제와 기회에 대해서는 "가장 큰 과제는 실제 생산에 대한 접근성이다. 업사이클링이나 학교 내 프로토타이핑 공간 같은 해법이 학생들에게 더 자유롭게 실험하고 3차원적으로 사고할 수 있는 기회를 줄 수 있을 것"이라고 밝혔습니다.
 Portrait Siyanda Mbele_Pinda Interior Design ©Sinomtho Msweli
|  Tapis Ischolo Rug_Pinda Interior Design ©DR
 Table de chevet Mvelo Pedestal_Pinda Interior Design ©Busiswa Chiliza
|
칼리엔 반 로이엔 (아틀리에 다르 드 프랑스 선정 · 크래프트 부문)
의료 과학과 풀뿌리 활동가, 사회 변혁 활동을 두루 거친 다채롭고 이례적인 경력의 소유자인 아티스트 칼리엔 반 로이엔은 예술을 치유의 공간으로 삼게 되었습니다. 케이프타운을 기반으로 한 그녀의 작업은 남아공의 풍경에서 형태를 얻으며, 인간과 자연 세계 사이의 복잡한 관계를 탐구합니다. 기억과 물성, 동시대적 조건에 대한 성찰이 그녀의 작업 전반에 씨줄과 날줄처럼 엮여 있습니다. 아틀리에 다르 드 프랑스가 선정한 크래프트 부문 수상자입니다.
풀뿌리 활동, 과학, 그리고 이제는 예술까지 아우르는 그녀의 여정이 별개의 장인지 아니면 서로 연결된 층위인지 묻는 질문에 그녀는 "이 서로 다른 분야들은 내가 서로를 더 깊이 돌보는 법, 우리를 지탱하는 것을 보호하는 법, 인간 정신의 진실을 반영하는 예술을 만드는 법을 탐구할 수 있게 해주었다. 과학적 훈련은 유약 화학과 소성 공정을 이해하는 데 필요한 기술적 엄밀함을 제공하고, 활동가로서의 배경은 내 작업의 개념적 토대를 형성한다"고 답했습니다.
9월 매종&오브제에서 무엇을 선보일지에 대해서는 "남아공 풍경에 대한 물성적 성찰을 이루는 일련의 작품, 나를 형성한 땅에 바치는 헌사"라고 밝혔습니다. 창작 과정에 대해서는 "내 창작 과정은 본질적으로 번역 행위다. 모든 것은 자연과의 관계, 그리고 자연과의 접촉을 통해 내 머릿속에 떠오르는 형태에서 시작된다. 그것들을 그린 다음 스튜디오로 옮겨 점토를 그 물리적 한계까지 다루고, 마지막으로 유약 화학을 이용해 최초의 비전을 최종적인 물질적 형태와 연결한다. 정신적 이미지와 물질 사이의 끊임없는 왕복"이라고 설명했습니다. 활동가·과학자·예술가로서의 전환에 대해서는 "풀뿌리 활동은 즉각적인 변화를 만들지만, 예술은 서사와 문화적 변혁이라는 더 긴 시간 척도에서 작동할 수 있다는 것을 깨달았을 때 그 전환이 일어났다. 긴장이나 갈등의 순간을 견뎌낼 수 있는 교육적 도구로 기능하는 물리적 아카이브, 오브제를 만들어야 한다는 필요성을 느끼기 시작했다. 우리가 사는 공간에 소속감을 다시 불어넣는 데 도움이 되는 선택"이라고 답했습니다.
 Karlien van Rooyen Karlien Van Rooyen ©DR
|  ©DR
|
남아프리카공화국에서는 지역의 유산과 미래지향적 시선에 뿌리를 둔 스타일의 혁신이 자신감 있게 조용히 부상하고 있습니다. 국제 무대의 관심이 점점 높아지면서, 새로운 세대의 디자이너들이 업계 전문가들의 호기심과 관심을 사로잡고 있습니다. 국제적인 감각과 활기찬 갤러리·컨셉스토어로 매력을 발산하는 케이프타운, 날카로운 동시대 미술 신과 비평적 디자인 정신이 살아 숨쉬는 요하네스버그, 공예와 스토리텔링, 다학제적 실험이 어우러진 독보적인 창조적 에너지의 더반까지, 남아공의 주요 창조 거점들이 내일의 디자인 지형을 정의할 이름들을 찾는 시선을 끌어모으고 있습니다.
이 지역의 디자인 이야기를 전하는 것은 곧 과거와 미래, 의례와 조상 대대로 이어져 온 노하우, 그리고 혁신적 기법 사이의 대화를 통해 역사를 다시 쓰는 일이기도 합니다. 직조와 조각적 형태, 상징적 패턴이 미니멀하고 실험적인 표현으로 재해석되며, 어디에나 존재하는 공예 정신이 동시대적 미감과 매끄럽게 융합됩니다.
2026년 라이징 탤런트 어워드를 맞아, 매종&오브제 펄스(Maison&Objet Pulse)는 신진 창작 신을 조명하는 '쇼 안의 쇼'로 기획된 디자인 디스트릭트 한복판에서 남아공의 새로운 디자인 물결을 소개하는 전시를 선보입니다. 올해는 동시대 아프리카 디자인의 대표적인 플랫폼인 데코렉스(Decorex)와 처음으로 파트너십을 맺은 것도 특징입니다. 지역의 실천과 글로벌 흐름이 교차하는 지점에서, 전문가 심사위원단이 선정한 남아공 출신의 수상 디자이너 및 스튜디오 7팀이 소개됩니다.
심사위원단이 말하는 남아공 디자인
데코렉스 아프리카와 100% 디자인 아프리카의 공동 아트 디렉터인 앨런 헤이워드와 개러스 반 니커크는 심사위원으로서 "2026년 9월 매종&오브제에서 전시하는 수상자들은 남아공 디자인에 있어 중요한 전환점에서 국제 무대에 오른다"고 말합니다. 안나 웨일란트는 남아공 디자인에서 스토리텔링의 중요성을 강조했고, 도널드 은수말로는 "독보적이고 대담한 모든 프로필이 저마다의 자리를 가질 자격이 있었기에 선정 과정이 진정한 도전이었다"고 전했습니다. 개러스 피어슨은 "선정된 디자이너와 스튜디오들은 저마다 독창적인 방식으로 동시대 디자인과 장인 공예를 결합하는데, 이는 이 지역 디자인의 핵심적 특징"이라고 평했으며, 아틀리에 다르 드 프랑스 회장 스테판 갈르노는 손으로 직접 점토를 빚는 칼리엔 반 로이엔을 크래프트 부문 수상자로 선정한 이유를 밝혔습니다.
7인의 수상자들
애슐리 로이드 | 스튜디오 로이드 (케이프타운)
케이프타운 소재 스튜디오 로이드의 크리에이티브 디렉터이자 창립자인 애슐리 로이드는 남아공 디자인 신에서 확고한 목소리를 내는 인물입니다. 디자인과 공예의 교차점에 자리한 그녀의 작업은 좌석과 조명을 조각적 경험으로 변모시키며, 로프 위빙(rope weaving)이 시그니처 기법입니다. 여성을 지지하고 역량을 강화하며, 지식의 전수를 장려하고 참여적인 창작 과정을 통해 강한 공동체 의식을 길러내는 것이 그녀의 철학입니다.
전통적인 크로셰 기법으로 대형 동시대 조명 작품을 만드는 것에 대해 그녀는 "우리의 접근 방식은 전통 공예를 동시대적 언어로 재해석하는 것"이라며 "크로셰는 자연스러운 유연함과 촉각적 질감, 거의 명상적인 리듬을 통해 건축적 조명이 지닌 경직성에 깊이 인간적인 대응점을 제시한다"고 설명했습니다. 스튜디오 로이드는 대형 조각적 조명 작품을 통해 스케일을 가지고 노는 것을 중시하며, 조명을 몰입형 경험으로 만드는 데 주력합니다.
속도가 지배하는 세상과 대비되는 럭셔리에 대한 질문에는 "손으로 천천히 빚어낸 오브제, 거의 소리 없이 세심함을 기울이는 시간과 몸짓, 의도와의 관계를 제시한다"고 답했습니다. 전수(transmission) 역시 핵심적인 역할을 하며, "각 작품은 단순한 오브제 이상으로 살아있는 유산의 이야기를 전한다"고 덧붙였습니다.
역량 강화가 스튜디오 운영에 어떻게 반영되는지에 대해서는 "역량 강화는 우리 구조의 핵심"이라며 "함께 작업하는 장인들 중 상당수가 역사적으로 소외된 지역사회 출신이며, 이들은 스튜디오의 정체성을 형성하는 데 중심적 역할을 한다. 목표는 이들에게 안정성과 존엄, 장기적 전망을 제공하는 것"이라고 밝혔습니다. 향후 방향으로는 대형 건축적 조명 설치작과 새로운 오브제 유형으로의 확장을 계획하고 있으며, 자외선 처리된 로프 소재가 해안이나 사막 등 극한 환경부터 정제된 인테리어까지 두루 적응할 수 있는 내구성을 지녔다고 강조했습니다.
오아겡 마나나 & 체호파초 라모티베 | 메틀로 스튜디오 (요하네스버그)
메틀로 스튜디오의 공동 창립자인 오아겡 마나나와 체호파초 라모티베는 전통적 참조에 뿌리를 둔 창작적 접근을 통해 문화유산과 동시대적 시각을 결합합니다. 이들에게 디자인은 기억과 정체성, 형태가 교차하며 문화적 오브제에 생명을 불어넣는 서사적 놀이터입니다.
요하네스버그의 로컬 창조 신에 대해 두 사람은 "매우 활기차다. 다양한 문화와 언어가 모자이크처럼 어우러져 풍성함과 복합성을 동시에 부여한다"고 전했습니다. 남아공 디자인이 다른 국제 신과 구별되는 지점에 대해서는 "오늘날 남아공 디자인은 점점 더 독보적이고 자신감 있는 목소리로 자리잡고 있다. 기후와 풍경, 자연 조건이 영감의 원천이자 창작의 동력이 되며, 자연과 문화, 일상이 만나는 지점에서 그 고유함이 탄생한다"고 답했습니다.
2022년 스튜디오를 설립한 이래, 이들은 동시대 가구와 맞춤 제작 프로젝트를 통해 자신들의 언어를 표현해왔습니다. "우리의 창작 언어는 중성적인 색조 팔레트와 재해석된 전통적 참조에서 출발한다. 자연과 약용 식물 역시 풍부한 영감의 원천"이라며, 그 결과물은 기능성과 컬렉터블 미감이 결합된 작업이라고 설명했습니다. 선호하는 소재를 묻는 질문에는 "목재가 생산의 80%를 차지한다. 조각할 수 있는 소재이며, 그 형태를 탐구하는 일에 결코 지치지 않는다"고 답했습니다.
심피웨 믈람보 (케이프타운)
음투바투바 출신의 심피웨 믈람보는 2019년 케이프타운에 자신의 스튜디오를 설립했으며, 인테리어 건축과 가구 디자인을 표현의 장으로 삼고 있습니다. 건설업에 종사한 가족 배경 덕분에 일찍부터 제작과 소재에 대한 직접적인 관계에 뿌리를 둔 작업 방식을 발전시켰습니다. 더반 공과대학교(Durban University of Technology)에서 인테리어 디자인을 전공했고, 더반의 여러 스튜디오에서 주거·상업·리테일·호스피탈리티 프로젝트를 두루 경험하며 기술적이면서도 개념적인 작업 방식을 형성했습니다. 2024년 난도스 핫 영 디자이너(HYD) 어워드를 수상한 바 있습니다.
오늘날 남아공의 창작을 한 단어로 정의해달라는 질문에 "표현주의적(Expressionist)"이라고 답하며 "모든 창작자는 각자의 개인적 맥락을 통해 남아공인이라는 것의 의미를 표현하고자 한다"고 말했습니다. 스토리텔링이 자신의 접근 방식의 핵심이냐는 질문에는 "내 작업은 내 환경으로부터 직접 태어난다. 경험과 물려받은 서사를 동시대적 형태로 변환한다. 나는 의미를 담은 오브제, 원래 이야기의 깊이를 잃지 않으면서 현대 세계와 교감할 수 있는 오브제를 믿는다"고 답했습니다.
파리에서의 첫 전시인지 묻는 질문에 그는 "그렇다. 파리에서 작업을 선보이는 것은 이번이 처음"이라며 "이번을 위해 완전히 새로운 컬렉션을 디자인했고, 내 로컬 신에 뿌리를 둔 작품을 보여주고자 했다. 벽 패널, 바닥 조명 작품, 베틀에서 영감을 받은 벤치, 세 작품이 하나의 서사로 함께 기능하는 설치작을 선보인다. 직조와 전통 공예의 개념을 탐구하는, 의례로서 구상된 설치작"이라고 소개했습니다.
타니샤 닐 | N I S H
N I S H의 창립자이자 크리에이티브 디렉터인 타니샤 닐은 디자인에 앞서 몸을 표현의 주된 도구로 선택했습니다. 클래식 발레와 현대무용에서 출발한 이력은 그녀의 관점과 리듬 감각, 공간과의 관계를 형성했습니다. 인테리어 건축 학위와 프로덕트 디자인·혁신 석사 학위를 보유한 그녀는 이 두 세계의 교차점에서 모든 선이 몸짓으로, 모든 볼륨이 정지된 움직임으로 구상되는 조형 언어를 발전시키고 있습니다.
소재와 공예를 통해 완벽함과 불완전함 사이의 창조적 긴장을 탐구하는 것에 대해 그녀는 "내 창의성은 제약 앞에서 온전히 발현된다. 상상력을 자극하는 것은 한계와 장애물이다. 종이 위에서 디자인할 수는 있지만, 진정한 것이 펼쳐지는 곳은 적응 단계, 즉 프로토타이핑이나 제작 과정"이라고 밝혔습니다. 원하는 감각적 경험에 대해서는 "단순한 소유를 넘어선 전유의 한 형태"라며 "N I S H의 작품은 결코 고정되지 않는다. 세 가지 다른 환경에 놓인 동일한 작품이 세 가지 다른 표현을 드러낼 것이다. 그 가치는 이 관계, 즉 무대화되고 거주되고 시간에 걸쳐 이해되는 방식에 있다. 오브제 이상으로, 그것은 하나의 대화"라고 답했습니다.
무용 경력이 공간·리듬·오브제와의 상호작용에 대한 사고방식에 영향을 미치는지 묻는 질문에는 "무용은 움직임의 자유를 주지만 동시에 기술적 규율도 요구한다. 디자인도 마찬가지다. 인체공학적 제약과 개인적 표현 사이에서 균형이 생겨난다. 나는 '실용적 럭셔리'라는 개념을 좋아한다. 모든 것은 드로잉에서 시작된다. 형태는 종이 위에서, 시행과 조정을 거쳐 올바른 몸짓을 찾아내는 안무처럼 떠오른다"고 답했습니다. 9월 매종&오브제에서는 N I S H의 창립작이자 첫 소개가 될 매니페스토 작업들을 선보일 예정입니다.
마틴 탈리 & 자니 알버츠 | DEFT 스튜디오
건축 전공 시절부터 창작 듀오로 활동해 온 마틴 탈리와 자니 알버츠가 창립한 DEFT 스튜디오는 지속가능한 가구 제작을 통해 디자인과 공예에 대한 깊은 열정을 실현합니다. 모든 작품은 창립자들이 직접 로컬에서 수작업으로 제작하며, 깔끔한 라인과 세심한 노하우로 정의되는 이들의 세계는 유쾌하면서도 정제된 정체성을 드러냅니다.
DEFT 스튜디오가 '창조적 강박'을 형성한다는 것에 대해 이들은 "우리의 강박은 창작과 제작 과정의 모든 단계에 기울이는 깊은 주의력이다. 가구는 인테리어 속 단순한 오브제 이상, 살아내야 할 경험이 된다"고 밝혔습니다.
'패스트 퍼니처'에 맞서 기능적으로도 감정적으로도 오래 지속되는 작품을 지향하는 것에 대해서는 "우리는 지속적인 가치를 지닌 독보적인 작품을 찾는 사람들을 위해 창작한다. 우리의 디자인은 트렌드나 생산 제약이 아닌 호기심과 상상력에서 비롯된다. 목표는 쉽게 팔리는 것을 디자인하는 게 아니라 진정한 감정을 불러일으키는 것을 디자인하는 것"이라고 답했습니다. 단순함과 넉넉한 곡선, 유쾌한 정신이 결합된 이들의 조형 언어에 대해서는 "균형은 대체로 반복, 대칭, 비례, 질감 같은 본질적인 디자인 원칙에 기댄다. 이 긴장이 우리 작품에 독특한 개성을 부여한다"고 설명했습니다. 창작물이 불러일으키기를 바라는 감정에 대해서는 "기억이다. 우리의 모든 작품은 다음 세대에 물려줄 가보로 디자인된다"고 답했습니다.
시얀다 음벨레 | 핀다 인테리어 디자인
움라지 출신의 시얀다 음벨레는 드로잉에 대한 열정으로 일찍부터 형성된 길을 따라 공학에서 디자인으로 전향했습니다. 그는 '다시, 또(again)'를 뜻하는 이시줄루어 '핀다(phinda)'에서 이름을 딴 핀다 인테리어 디자인을 설립했으며, 이는 그의 창작적 접근의 핵심인 반복과 리듬의 개념을 담고 있습니다. 그의 작업은 기하학적 형태와 은데벨레(Ndebele) 패턴, 대담한 색채를 결합해 남아공의 유산과 동시대 디자인 사이의 지속적인 대화를 만들어냅니다.
강한 가족·문화적 가치 속에서 자란 움라지에서의 성장 경험이 디자인관에 미친 영향에 대해 그는 "내 작업에 강한 시각적 정체성을 형성했다. 움라지에서는 개인성과 유산이 필수적이다. 나는 내가 누구이고 어디서 왔는지를 말하며 창작한다"고 답했습니다. 기계공학에서 인테리어 디자인으로 전향한 경험이 오늘날 작업에 미치는 영향에 대해서는 "두 분야 모두 정밀함의 중요성을 공유한다. 이를 통해 소재와 제작 공정을 더 잘 이해하게 되었고, 이는 내 창작물에 직접적인 영향을 미친다"고 설명했습니다.
문화유산과 동시대 디자인을 어떻게 조화시키는지에 대해서는 "꽤 자연스럽게 이루어진다. 종종 동일한 프로젝트의 여러 버전을 개발하며, 문화적 참조와 동시대적 디테일 사이를 오가다가 올바른 균형을 찾는다"고 답했습니다. 오늘날 남아공 신진 디자이너들이 마주한 과제와 기회에 대해서는 "가장 큰 과제는 실제 생산에 대한 접근성이다. 업사이클링이나 학교 내 프로토타이핑 공간 같은 해법이 학생들에게 더 자유롭게 실험하고 3차원적으로 사고할 수 있는 기회를 줄 수 있을 것"이라고 밝혔습니다.
칼리엔 반 로이엔 (아틀리에 다르 드 프랑스 선정 · 크래프트 부문)
의료 과학과 풀뿌리 활동가, 사회 변혁 활동을 두루 거친 다채롭고 이례적인 경력의 소유자인 아티스트 칼리엔 반 로이엔은 예술을 치유의 공간으로 삼게 되었습니다. 케이프타운을 기반으로 한 그녀의 작업은 남아공의 풍경에서 형태를 얻으며, 인간과 자연 세계 사이의 복잡한 관계를 탐구합니다. 기억과 물성, 동시대적 조건에 대한 성찰이 그녀의 작업 전반에 씨줄과 날줄처럼 엮여 있습니다. 아틀리에 다르 드 프랑스가 선정한 크래프트 부문 수상자입니다.
풀뿌리 활동, 과학, 그리고 이제는 예술까지 아우르는 그녀의 여정이 별개의 장인지 아니면 서로 연결된 층위인지 묻는 질문에 그녀는 "이 서로 다른 분야들은 내가 서로를 더 깊이 돌보는 법, 우리를 지탱하는 것을 보호하는 법, 인간 정신의 진실을 반영하는 예술을 만드는 법을 탐구할 수 있게 해주었다. 과학적 훈련은 유약 화학과 소성 공정을 이해하는 데 필요한 기술적 엄밀함을 제공하고, 활동가로서의 배경은 내 작업의 개념적 토대를 형성한다"고 답했습니다.
9월 매종&오브제에서 무엇을 선보일지에 대해서는 "남아공 풍경에 대한 물성적 성찰을 이루는 일련의 작품, 나를 형성한 땅에 바치는 헌사"라고 밝혔습니다. 창작 과정에 대해서는 "내 창작 과정은 본질적으로 번역 행위다. 모든 것은 자연과의 관계, 그리고 자연과의 접촉을 통해 내 머릿속에 떠오르는 형태에서 시작된다. 그것들을 그린 다음 스튜디오로 옮겨 점토를 그 물리적 한계까지 다루고, 마지막으로 유약 화학을 이용해 최초의 비전을 최종적인 물질적 형태와 연결한다. 정신적 이미지와 물질 사이의 끊임없는 왕복"이라고 설명했습니다. 활동가·과학자·예술가로서의 전환에 대해서는 "풀뿌리 활동은 즉각적인 변화를 만들지만, 예술은 서사와 문화적 변혁이라는 더 긴 시간 척도에서 작동할 수 있다는 것을 깨달았을 때 그 전환이 일어났다. 긴장이나 갈등의 순간을 견뎌낼 수 있는 교육적 도구로 기능하는 물리적 아카이브, 오브제를 만들어야 한다는 필요성을 느끼기 시작했다. 우리가 사는 공간에 소속감을 다시 불어넣는 데 도움이 되는 선택"이라고 답했습니다.